El estreno de Sa Varietat en sa Locura confirma que el teatro popular mallorquín forma parte de una genealogía mucho más amplia que desborda lo insular y lo peninsular para insertarse plenamente en la tradición escénica europea. Lo que se vio sobre las tablas—nunca mejor dicho— del Teatre Principal de Palma no fue solo la recuperación de unos textos autóctonos, sino la reactivación contemporánea de una manera de entender el teatro como celebración colectiva, sátira social y espejo deformante de la condición humana. Pero bajo esa apariencia festiva latía otra verdad aún más importante: la auténtica fiesta de la noche consistía en celebrar los cuarenta años de Iguana Teatre, una de las compañías fundamentales de la escena balear contemporánea, con uno sus espectáculos más emblemáticos.
El parentesco de estas piezas con el Lazarillo de Tormes aparece en la centralidad de los personajes humildes, en la inteligencia nacida de la escasez y en la crítica a los poderes establecidos. Pero esas mismas claves enlazan también con la tradición europea del pícaro, desde la novela alemana de Grimmelshausen hasta ciertos personajes de la comedia italiana. El hambre, la astucia y el fraude como estrategias de supervivencia no pertenecen a un solo territorio: son materia dramática universal.
En la comicidad breve y punzante, la obra dialoga con los entremeses de Miguel de Cervantes y con los pasos de Lope de Rueda, pero también con la Commedia dell’Arte italiana. Muchos momentos del montaje recordaron esa tradición por el gusto por los tipos reconocibles, los criados ingeniosos, los viejos ridículos, los enredos amorosos y la fisicidad expresiva de los intérpretes. Incluso en algunos desplazamientos y juegos corales se intuía esa herencia de un teatro basado en la energía del cuerpo y en la relación directa con el público.
Asimismo, no faltaron resonancias del teatro francés de Molière, especialmente en la ridiculización de la hipocresía social y de los personajes dominados por sus obsesiones. Como en las mejores comedias europeas del barroco, nadie sale indemne: el avaro, el fanfarrón, el crédulo o el lujurioso quedan expuestos mediante la risa.
La adaptación escénica, llevada a cabo por Pere Fullana—también director de la propuesta— y Carmen Planells, mostró su vigor contemporáneo al evitar cualquier tentación arqueológica. En lugar de presentar las piezas como documento vetusto, el montaje las convirtió en teatro vivo, ágil y comunicativo. La dramaturgia supo coser materiales diversos con ritmo cómico, facilitando la continuidad entre escenas y ofreciendo una progresión dinámica que mantuvo siempre despierta la atención del espectador. Se agradece especialmente el equilibrio entre respeto filológico y libertad creativa: los textos conservaban sabor antiguo sin convertirse en mariposas muertas.
La escenografía—de Jordi Banal— apostó por la funcionalidad expresiva. Lejos del exceso decorativo, el espacio escénico—gran entarimado con reminiscencias de nave y de corral— se resolvió con elementos versátiles capaces de transformarse con rapidez y de posibilitar múltiples escondites al servicio de unos personajes necesidados de madrigueras donde ocultarse de sus depredadores naturales: el hambre, la codicia y la lujuria tienen los dientes afilados.
La economía de medios jugó a favor del espectáculo, pues remitía tanto a los corrales hispánicos como a las plazas donde actuaban compañías itinerantes europeas. El escenario aparecía así como un lugar abierto a la convención, donde la imaginación del espectador hacía de puente con lo que no se mostraba de forma literal.
En el apartado interpretativo residió uno de los mayores logros de la noche. El elenco —Alicia Garau, Rodo Gener, Carles Molinet y Salvador Oliva—entendió que este tipo de teatro exige precisión rítmica y valentía expresiva. Hubo excelente trabajo coral, notable sentido del tempo cómico y una dicción capaz de hacer sonar la lengua con musicalidad y nervio. Los actores no buscaron psicologismos contemporáneos innecesarios, sino coherencia teatral en el gesto, pendiente el cuerpo siempre de la acción, sin rehuir nunca lo grotesco del bufón o acariciando a veces la verdad orgánica del clown.
La iluminación de Toni Gómez desempeñó una función decisiva. Más que limitarse a alumbrar, construyó atmósferas y marcó transiciones con eficacia. Los cambios lumínicos ayudaron a separar episodios, subrayar climas festivos o introducir momentos de sombra irónica cuando la comicidad revelaba un fondo más áspero. Ese diseño de luces añadió profundidad a una propuesta que, por su raíz popular, podría haber corrido el riesgo de la uniformidad visual.
Y sin embargo, por encima de todo análisis estético o histórico, la emoción principal de la noche fue otra: asistir al reconocimiento público de Iguana Teatre. Cuatro décadas después de su fundación, la compañía sigue demostrando una rara fidelidad a la escena entendida como servicio cultural, investigación artística y compromiso con la lengua y la memoria propias. Pocas trayectorias resultan tan constantes, tan fértiles y tan decisivas en la construcción del teatro contemporáneo de las Islas Baleares.
Celebrar Sa Varietat en sa Locura era, en el fondo, celebrar a Iguana Teatre: porque al teatro, cuando es verdadero, le nacen aplausos en el lugar de las canas.
